Music

Entdecken Ihr neue Klänge und Überraschungen beim Ottawa’s Bluesfest

Ottawa’s Bluesfest, ein erstklassiges Musikfestival, inspiriert und unterhält weiterhin und fördert gleichzeitig neue Talente. Nick Horne, Leadsänger der Indie-Rockgruppe Hopper, ist ein Beispiel für die Wirkung der Veranstaltung. Er trat auf dem Festival auf, nachdem er 12 Jahre lang nur als Zuschauer dabei war.

Hornes Weg vom Zuschauer zum Künstler unterstreicht die Rolle des Festivals bei der Förderung aufstrebender Musiker.

Das breit gefächerte Programm deckt ein breites Spektrum an Musikgeschmäckern ab, von Rap über Country bis hin zu Sahararock. Diese Vielfalt ist nicht nur unterhaltsam, sondern hat auch das Potenzial, künftige Künstler zu inspirieren, wie die begeisterte Reaktion selbst der jüngsten Besucher zeigt.

Das Bluesfest zieht ein vielfältiges Publikum an, darunter Künstler wie der Cartoonist Liam Silke, der Künstler aus dem Publikum zeichnet, und Kyle Humphrey, der für sein Crowd-Surfing bekannt ist, obwohl er einen Rollstuhl benutzt. Diese Besucher tragen zu der einzigartigen Atmosphäre bei und zeigen, auf welch unterschiedliche Weise sich die Menschen mit der Musik beschäftigen und von ihr inspiriert werden.

Obwohl das Bluesfest mit einigen Kritikpunkten konfrontiert ist, wie z.B. den Transportproblemen und den hohen Ticketpreisen, bleibt es für viele ein beliebtes Ereignis.

Vielfältige Musikgenres

Das abwechslungsreiche Programm des Festivals zieht ein vielfältiges Publikum an, das einen Großteil der Bevölkerung Ottawas widerspiegelt. Von Gruftis und schwulen Cowboys bis hin zu Cosplayern und älteren Männern in Golfhemden repräsentiert das Publikum ein breites Spektrum der Einwohner der Stadt.

Das Bluesfest ist mehr als nur ein Musikfestival. Es ist ein Ort, an dem Menschen Inspiration finden, neue Klänge entdecken und möglicherweise ihre eigene künstlerische Reise antreten können. Die Veranstaltung spielt weiterhin eine wichtige Rolle in der kulturellen Landschaft der Stadt und bietet sowohl etablierten als auch aufstrebenden Künstlern die Möglichkeit, ihr Talent zu präsentieren.

Trotz aller Herausforderungen ist das Festival in der Lage, verschiedene Künstler, Genres und Publikumsgruppen zusammenzubringen, zukünftige Musiker zu inspirieren und eine Plattform für künstlerischen Ausdruck zu bieten, was seine Position als Eckpfeiler der Musikszene Ottawas festigt.

Auch wenn es sich weiter entwickelt und anpasst, bleibt das Bluesfest ein Zeugnis für die anhaltende Kraft der Live-Musik, zu vereinen, zu inspirieren und zu unterhalten.

Music

RIIZE: Hit-Song ‚Boom Boom Bass‘ für Comeback-Debüt

RIIZE, ein aufstrebender Star in der K-Pop-Szene, bereitet sich mit dem Titelsong „Boom Boom Bass“ auf ihr Comeback am 17. Juni vor.

Die Gruppe debütierte im September 2023 mit ihrem Single-Album „Get a Guitar“. Seitdem haben sie mit ihrem emotionalen Pop-Sound und ihren ansteckenden Beats Wellen geschlagen.

Das erste Mini-Album von RIIZE mit dem Titel „RIIZING“ wird acht Titel enthalten, darunter den Titelsong „Boom Boom Bass“ und bereits veröffentlichte Fan-Favoriten wie „Siren“, „Impossible“, „9 Days“, „Honestly“, „One Kiss“, „Talk Saxy“ und „Love 119“.

Die Teaser-Bilder zum Album, der Teaser zum Musikvideo und Pop-up-Events wurden bereits angekündigt.

RIIZE bereitet sich auch auf ihr japanisches Debüt mit der Veröffentlichung der digitalen Single „Lucky“ am 24. Juli vor.

Mit ihrem bevorstehenden Comeback und ihren internationalen Tourneen möchte RIIZE weiter wachsen und ihre Träume als Team verwirklichen.

Ihre Fangemeinde hat diesen Moment schon sehnsüchtig erwartet und die Vorbestellungen für „RIIZING“ haben bereits in verschiedenen Online- und Offline-Musikgeschäften begonnen.

Wir sehen uns im September

RIIZE, die südkoreanische Boyband, die im September 2023 von SM Entertainment gegründet wurde, hat sieben Mitglieder. Sie sind Shotaro, Eunseok, Wonbin, Anton, Sungchan, Seunghan und Sohee.

Der September stellt einen wichtigen Meilenstein für RIIZE dar. Er fällt zusammen mit dem Abschluss ihrer Fan-Con-Tour in zehn Städten weltweit und einem speziellen Event zum ersten Jahrestag im KSPO Dome in Seoul.

Die Fans können während dieser Tour exklusive Auftritte und Interaktionen erwarten, die ihre Bindung an die Gruppe vertiefen.

Die Hingabe der Gruppe an ihr Handwerk und ihr Engagement für ihre Fans ist seit ihrem Debüt unübersehbar, und es gibt keine Anzeichen dafür, dass sie langsamer werden.

Das Wachstum und der Fortschritt von RIIZE sind ein Beweis für ihre harte Arbeit und Entschlossenheit und inspirieren viele junge Künstler in der Branche.

Da das Veröffentlichungsdatum von „RIIZING“ immer näher rückt, können sich die Fans auf neue Musik dieser talentierten Gruppe freuen.

Music

Beyoncés „Cowboy Carter“ führt die Charts an und schreibt Geschichte
Beyoncé - Beyoncé Tottenham Hotspur Stadium 1st June 2023 (10 of 118) (best crop), tags: cowboy den - CC BY-SA
Beyoncé – Beyoncé Tottenham Hotspur Stadium 1st June 2023 (10 of 118) (best crop) – CC BY-SA

Das Album_“Act II: Cowboy Carter_“ des Superstars hat Geschichte geschrieben, denn es ist das erste Album einer schwarzen Frau, das den ersten Platz der Top Country Albums Charts erobert hat.

Laut Billboard 200 Albums Chart hat Beyonce’s neueste Kollektion den Spitzenplatz erreicht, und das bereits zum achten Mal. Im Februar stellte sie außerdem einen Rekord auf, als eine ihrer Debütsingles, Texas Hold ‚Em“, Platz eins der Billboard Hot Country Songs-Charts erreichte.

Zurzeit wird darüber diskutiert, ob Beyonce eine Country-Künstlerin ist, obwohl ihr letztes Album eine Mischung aus verschiedenen Genres wie Pop, Country, R&B, Zydeco und anderen ist. Beyonce hat jedoch Beweise für ihren Anspruch auf Country-Musik.

Beyonce hat einen Hintergrund, der im amerikanischen Süden verwurzelt ist, da sie in Houston, Texas, aufgewachsen ist, einer Stadt, die für ihre lebendige Country-Musik-Community bekannt ist. In ihrem populären Song „Formation“ verweist sie auf ihre familiären Bindungen zum Süden: Ihr Vater, Mathew Knowles, wurde in Gadsden, Alabama, geboren und ihre Mutter, Tina Knowles, stammt aus Galveston, Texas. Ihre Verwandten haben auch Verbindungen nach Louisiana.

Wenn man argumentiert, dass Beyoncé das Erbe der Country-Musik fehlt, was ist dann mit zwei der prominentesten Stars dieses Genres?

Bei den CMT Music Awards 2024 trat der aus Australien stammende Keith Urban auf die Bühne und präsentierte seinen Song_Straight Line_“. Der Australier ist ein bekanntes Gesicht der Preisverleihung, bei der die Country-Musik im Mittelpunkt steht, und hat im Laufe der Jahre neun Auszeichnungen erhalten.

Darüber hinaus hat Urban seit seinem Debüt im Jahr 1991 zahlreiche Country Music Association Awards und Grammys im Genre der Country-Musik gewonnen.

Wenn Sie das nicht beeindruckt, dann gibt es immer noch Shania Twain.

Die als „Queen of Country Pop“ bezeichnete Künstlerin gehört mit geschätzten 90 Millionen verkauften Alben weltweit zu den erfolgreichsten Frauen in der Country-Musikbranche. Die Musikerin stammt aus Kanada.

Die kanadische Kollegin K.D. Lang wurde, wie auch andere Künstler wie Twain, in der Country-Musikszene willkommen geheißen. Dies zeigt, dass Country-Musik nicht durch den Standort begrenzt ist. Daher sollte es keinen Zweifel daran geben, dass Beyonce, die offen gesagt hat, dass ihr „Cowboy Carter“-Album durch die Erfahrung inspiriert wurde, sich nicht willkommen zu fühlen, einen Platz am Tisch der Country-Musik haben sollte.

[Es wurde aus einer Erfahrung geboren, die ich vor Jahren gemacht habe, als ich mich nicht willkommen fühlte…und es war sehr klar, dass ich es nicht war.

Beyonce

Nun hat Queen Bey anscheinend die Initiative ergriffen, ihren eigenen Tisch zu bauen.

Beyoncé

Beyoncé Giselle Knowles-Carter is an American singer, songwriter, actress, film director, and businesswoman. Dubbed as „Queen Bey“ and a prominent cultural figure of the 21st century, (wikipedia)

Beyoncé (album)

Beyoncé is the fifth studio album by American singer Beyoncé. It was released in the early hours of December 13, 2013, through Parkwood Entertainment and Columbia Records as a complete surprise. (wikipedia)

Freizeit, Music

Die Magie der Klänge: Die Rolle der Musik in Casinos
Equalizer, Musik im casino
einfluss von musik im casino

Wenn man an Casinos denkt, tauchen oft Bilder von glamourösen Spielumgebungen, funkelnden Lichtern und gespannten Spielern vor dem geistigen Auge auf. Doch hinter den Kulissen dieser schillernden Welt spielt ein oft unterschätzter Faktor eine entscheidende Rolle bei der Gestaltung der Spielerfahrung: die Musik. Die subtile Kraft der Töne und Rhythmen, die in Casinos erklingen, hat einen tiefgreifenden Einfluss auf die Stimmung, das Verhalten der Spieler und die allgemeine Atmosphäre.

Die Stimmungsmacher: Musik als Atmosphärenschaffer

Die Musik in Casinos agiert wie ein unsichtbarer Dirigent, der die emotionalen Wellen der Spieler lenkt. Von gedämpften Klängen in den Morgenstunden bis hin zu aufregenden Rhythmen in den späten Abendstunden – die Musik passt sich den Tageszeiten an und beeinflusst so das gesamte Ambiente. Entspannende Melodien in den frühen Stunden schaffen eine einladende und beruhigende Atmosphäre, die den Gästen das Gefühl vermittelt, willkommen zu sein und sich in einer komfortablen Umgebung zu befinden. Am Abend steigert sich die Musik in Tempo und Energie, um die Spannung und den Nervenkitzel zu verstärken.

Der Takt des Spiels: Musik und Spielverhalten

Ein faszinierender Aspekt der Musik im Casino ist ihre Fähigkeit, das Spielverhalten der Gäste zu beeinflussen. Schnelle und energetische Musik kann den Puls der Spieler beschleunigen, sie motivieren und dazu verleiten, schneller zu spielen. Dies kann zu höheren Einsätzen und einem gesteigerten Spieltempo führen. Auf der anderen Seite kann langsame und beruhigende Musik eine entspanntere Spielweise fördern, wodurch die Spieler länger verweilen und bewusster agieren. Der Takt der Musik harmoniert mit dem Takt des Spiels, wodurch eine subtile Synchronisation entsteht.

Emotionen in Harmonie: Musik und Gefühle

Musik hat eine einzigartige Fähigkeit, Emotionen hervorzurufen und zu verstärken. Die ausgewählte Musikrichtung kann die Spieler in unterschiedliche Gemütszustände versetzen – von enthusiastischer Freude bis hin zu entspannter Gelassenheit. Dies beeinflusst, wie die Spieler ihre Gewinne und Verluste wahrnehmen. Positive und mitreißende Melodien können Siege euphorischer erscheinen lassen, während beruhigende Klänge negative Emotionen mildern können.

Die Klangkulisse als Erlebnisfaktor: Geselligkeit und Ablenkung

Die Musik im Casino hat nicht nur einen individuellen, sondern auch einen sozialen Aspekt. Sie schafft eine gemeinsame Klangkulisse, die Gespräche und Interaktionen zwischen den Gästen fördert. Die musikalische Begleitung kann auch als Ablenkung von störenden Geräuschen und Umgebungsgeräuschen dienen, was zu einer angenehmeren Spielumgebung führt. Live-Auftritte und musikalische Darbietungen bieten den Gästen zudem zusätzliche Unterhaltung und tragen zur Lebendigkeit des Casinos bei.

Die Kunst der Auswahl: Musik als strategisches Element

Die Auswahl der Musik im Casino ist keine willkürliche Entscheidung. Casinos nutzen die Kraft der Musik strategisch, um die gewünschte Atmosphäre und Reaktion der Gäste zu erzielen. Die Musikauswahl berücksichtigt das Casino-Thema, die Zielgruppe, das Spielangebot und die Tageszeit. Von sanfter Jazzmusik in eleganten Etablissements bis hin zu pulsierender elektronischer Musik in modernen Casinos – jede Musikauswahl trägt zur Identität des Casinos bei.

In der schillernden Welt der Casinos spielt Musik eine Rolle, die über das bloße Hintergrundrauschen hinausgeht. Sie formt die Stimmung, beeinflusst das Verhalten der Spieler und verleiht der Umgebung eine besondere Atmosphäre. Die Magie der Klänge in Casinos ist ein Beispiel für die subtile Art und Weise, wie Musik unsere Sinne und Gefühle berühren kann – eine unsichtbare Kraft, die das Spielerlebnis auf harmonische Weise ergänzt.

Music

Von atmosphärischem Yacht-Rock bis hin zu Porträts unzufriedener Briten – hier ist unsere Auswahl der besten LPs 2022

Horace Andy – Midnight Rocker

Rocksteady- und Dub-Produktionen unter der Leitung von Adrian Sherwood – mit Streichern, Melodica und Mundharmonika – bieten eine stilvolle Untermalung für einen Mann, der für sich in Anspruch nehmen kann, die schönste Gesangsstimme Jamaikas zu haben. Sein Vibrato scheint vom Bass, der ihn umgibt, umspielt zu werden, eine Stimme in völliger Einheit mit ihrer Umgebung, während er Predigten über den Zustand der Welt hält.

Bad Bunny – Un Verano Sin Ti

Der populärste Popkünstler der Welt, wenn wir die Streaming-Daten als Maßstab nehmen, ist auch einer der begabtesten. Selbst wenn man kein Spanisch versteht, sind seine Gesangslinien so ergreifend, dass sich kleine Romanzen und Geschichten aufdrängen. Er springt von Trap zu Mambo zu House zu EDM zu wehmütigem Pop zu jedem Reggaeton-Tempo und beschwört jede mögliche Sommerstimmung herauf.

Big Thief – Dragon New Warm Mountain I Believe in You

Auf diesem Doppelalbum mit 20 Titeln, das im Kern Folk-Rock ist, aber auch Bluegrass, schrillen Rock, kratzigen Trip-Hop und vieles mehr enthält, sprudeln die Songs einer der produktivsten Bands der USA nur so. Noch erstaunlicher als ihre Vielseitigkeit und Hitrate ist ihre Gefühlsstärke: Adrianne Lenkers Gesang und das Spiel der Band sind durchdrungen von Kämpfen und aufrichtiger Liebe.

Axel Boman – LUZ

Dubbiger Breakbeat-House, sanfte Yacht-Rock-Atmosphäre, südafrikanischer Hip-Hop: Die erste der beiden 2022 erschienenen Sammlungen des Stockholmer Produzenten Boman ist ausgesprochen eklektisch und eine seltene Erscheinung in einem Genre, in dem Tracks fast immer Alben übertrumpfen: Es lohnt sich, sie von Anfang bis Ende zu hören, anstatt sich einzelne Songs für eine Playlist herauszupicken.

Cate Le Bon – Pompeii

„Raise a glass in a season of ash“, singt Le Bon auf ihrem erhabenen sechsten Album, das sie schrieb, als sie versuchte, sich in das Chaos der Pandemie hineinzuversetzen, und das, inspiriert von Größen wie Cabaret Voltaire, Neugier statt Angst umarmt. Pompeii ist reich an quecksilbrigen Saxophonen und einem getrübten Sinn für dunklen Glamour, als hätte jemand die frühen Roxy Music aufgeraut. Es ist cool, mit einem schrägen Stolz, dem man nicht nacheifern könnte, aber auch deutlich verletzlich, wobei Le Bon ungeschminkte Menschlichkeit als Geste der Hoffnung anbietet.

Charli XCX – Crash

Ein seltenes Beispiel für eine Künstlerin, die eine perfekte Kehrtwende im Popbereich vollzieht. Auf ihrem letzten Album für Atlantic – einer zerrütteten Beziehung – entschied sich XCX dafür, sie mit ihren eigenen Waffen zu schlagen, indem sie sich in die Rolle des „Major-Label-Popstars“ begab und sich auf erstklassige Co-Writes und radiotaugliche Knaller einließ. Crash“ funktioniert, weil es sich nie durch das Konzept erdrückt fühlt und mit sofortigen Songs wie „Beg for You“ und „Baby“ und einer nicht geringen Menge an Emotionen gefüllt ist. Es ging nicht nur um die Trennung von ihrem Label, sondern auch um das endgültige Ende ihrer schwankenden Langzeitbeziehung und den Verlust ihrer verstorbenen Kollegin Sophie.

Acapella

Eric Chenaux – Say Laura

Erlauben Sie mir ein paar berechtigte Übertreibungen: Der kanadische Songwriter hat eine der großartigsten Gesangsstimmen aller Zeiten in der populären Musik, ein intensiv romantisches, an Chet Baker erinnerndes Instrument, das mit durchdringender Richtung zu schweben scheint, wie ein Papierflugzeug, das hart durch den Nebel geworfen wird. Unterstützt von seiner ebenso unverwechselbaren, plätschernden Gitarre, ist Say Laura ein perfekter Einstieg in sein Werk mit einigen seiner schönsten Kompositionen – und There They Were ist vielleicht sein bestes überhaupt.

Silvana Estrada – Marchita

Das Debütalbum der 24-jährigen mexikanischen Songwriterin strotzt nur so vor Traurigkeit, nicht nur über die erste Trennung, sondern auch über die „Trauer um die erste Idee, die man von der Liebe hat“, wie sie sagt. Estrada spielt den venezolanischen Cuatro, der ein zartes Bett für ihren dramatischen Gesang bildet. Als Sängerin wurde sie von Jazzgrößen wie Sarah Vaughan und Ella Fitzgerald inspiriert. Sie zuckt vor Schmerz (Te Guardo), zerfranst vor Angst (Marchita) und kann eine Präzision aufbringen, die so elegant und treibend ist wie das Flattern eines Vogelflügels (Sabré Olvidar). Eine fesselnde Ankunft.

Fana Hues – Flora + Fana

Das verträumte zweite Album von Hues ist so flüssiger R&B, dass man darin schwimmen könnte. Während die kalifornische Musikerin versucht, mit einer Trennung zurechtzukommen, verwandelt sie diese trägen Tiefen in ein Prisma, das eine endlose Fülle verführerischer Schattierungen bricht: Moscato ist ein verletzliches, akustisches Plädoyer vom Boden eines leeren Weinglases; High Roller ein subtil psychedelisches Epos; Wild Horses ein durchsichtiges Bliss-out.

Father John Misty – Chloë and the Next 20th Century

Eine melodisch umwerfende Reihe von Genre-Pastiches – Easy-Listening-Bossa-Nova, Swing-Band-Bläser, John-Barry-Soundtrack – über die Joshua Tillman eine beißend komische Kurzgeschichte nach der anderen spinnt: Misery-Memoir-Autoren werden abgesagt, Beziehungen werden durch kürzlich verstorbene Haustiere wiederbelebt, unüberlegte sexuelle Liaisons werden durch Autounfälle unterbrochen. Ein Songwriter auf dem Höhepunkt seines Könnens.

Jenny Hval – Classic Objects

Hvals Musik hat sich oft mit der Stellung der Frau in der Gesellschaft auseinandergesetzt, und ihr achtes Album beginnt an einem vertrauten Ort, indem sie über die Institution der Ehe nachdenkt: Ein Mann macht ihr bei einem ihrer Auftritte einen Heiratsantrag, und auch bei ihrer eigenen Hochzeit. Die Norwegerin versichert uns, dass sie sich nur aus „vertraglichen Gründen“ auf dieses patriarchalische Konstrukt eingelassen hat. Doch im Laufe von Classic Objects schmilzt diese Gewissheit dahin, denn Hval hinterfragt, wie ihre Identität und ihre Werte entstanden sind und woran sie wirklich glaubt. So gewichtig das auch klingt, die Musik ist locker dubbig und flirrend, und Hval findet Humor, Leichtigkeit und Transzendenz in ihrer Suche.

Huerco S – Plonk

Der amerikanische Produzent Brian Leeds, alias Huerco S, hat mit seinem 2016er Album For Those of You Who Have Never (And Also Those Who Have) einen Ambient-Klassiker veröffentlicht: extrem schön, aber instabil und belastet. Diese Qualitäten werden auf diesem dichten, brillanten Nachfolger noch verstärkt, auf dem es üppige Akkorde und Glockenspiele in Hülle und Fülle gibt, die jedoch in einer Welt tiefgreifender Instabilität angesiedelt sind. Das Schlagzeugprogramm, hart und präzise wie eine Nagelpistole, tanzt irgendwo zwischen Speed Garage, Techno und Drill, aber Leeds ist ein Meister des Rhythmus, auch wenn es überhaupt kein Schlagzeug gibt.

Jeshi – Universal Credit

Universal Credit ist ein ebenso starkes und einprägsames Porträt des unzufriedenen Britanniens wie Boy in Da Corner von Dizzee Rascal oder Nothing Great About Britain von Slowthai (dessen Flow Jeshi zeitweise ähnelt) und ist das entscheidende Album unserer aktuellen Lebenskostenkrise. Mit fantasievollen Beats, die sich nicht an aktuelle Moden halten, stolpert Jeshi durch einen Mief von Drogen und gehemmter Erwerbskraft, während er über das Schicksal seiner Generation nachdenkt.

Kendrick Lamar – Mr Morale & the Big Steppers

In gewisser Weise ist Mr. Morale & the Big Steppers das Übliche: ein weiteres Meisterwerk eines Künstlers, der seit einem Jahrzehnt nichts als Meisterwerke veröffentlicht hat. Aber der wimmelnde Sound, die schillernden Raps und die gelegentlich riskanten Themen sind das Werk eines Mannes, der nicht stillhalten will.

Let’s Eat Grandma – Two Ribbons

Das dritte Album des Duos aus Norwich ist von Verlust geprägt: Jenny Hollingworth setzt sich mit dem Tod ihres Freundes auseinander, der an einer seltenen Form von Krebs erkrankt ist, und sie und Rosa Walton kämpfen damit, dass ihre lebenslange Freundschaft in die Brüche gegangen ist. Die Tatsache, dass sie nicht wegsehen, macht Two Ribbons zu einer so ergreifenden und schönen Platte, die Schmerz und Versöhnung in herzzerreißendem Synth-Pop und einem neuen Ausflug in die surreale Pastoralität wiedergibt.

Leyla McCalla – Breaking the Thermometer

Breaking the Thermometer war ursprünglich eine Bühnenshow über den Kampf Haitis für Demokratie in den 1960er Jahren. Dann stoppte die Pandemie die Aufführungen und McCalla machte daraus ein Album. Wie Anaïs Mitchells ähnlich ehrgeiziges, multimediales Hadestown kann man sich vorstellen, dass diese wunderbare, mitreißende Platte ein großes Publikum finden wird. McCallas Stimme, die sie auf Kreolisch und Englisch singt, hat eine einladende, weiche Autorität; ihr kinetisches Cello zupft und das Schlagzeug wirbelt richtig Staub auf. Am besten ist ihre Interpretation von Caetano Velosos You Don’t Know Me, ein rätselhafter Zustand, den McCalla mit träumerischer Freude über das Festhalten an der Privatsphäre, aber auch mit Frustration darüber, dass sich nur wenige dafür interessieren, tiefer zu graben, beschwört.

Cécile McLorin Salvant – Ghost Song

Die hochgeschmückte Jazz-Sängerin aus Miami zieht alle Register, um die verlorene Liebe zu befragen. Sie covert Kate Bushs Wuthering Heights in einem konfrontativ langsamen A-cappella-Gesang, singt Brecht und Weill mit der flotten Schönheit eines bunten Vogels, der sein Gefieder sträubt, und vermählt Musik aus The Wizard of Oz mit einem Song von Gregory Porter. Ihre Arrangements sind fantastisch: Man spürt die gemeinsamen Jazz-Einflüsse zwischen ihr und Fiona Apple, und das Original I Lost My Mind kombiniert barocke „verrückte Lieder“ mit aufgewühlten Orgeln, die an einen Song von Julia Holter erinnern. Ghost Song ermutigt zu wildem Staunen, verliert aber nie seinen einzigartigen Fokus.

Melt Yourself Down – Pray for Me, I Don’t Fit In

Auf diesem Album gelingt es dem Londoner Sextett Melt Yourself Down endlich, seine eklektischen Einflüsse – Tanzmusik, Afrobeat, Krautrock, Punk, abrasiver Jazz – zu einem kohärenten, eigenen Sound zusammenzufügen. Trotz aller Selbstzweifel in den Texten klingt Pray for Me, I Don’t Fit In aufregend selbstbewusst und stürmt mit dem Kopf nach unten auf den Hörer zu.

Mitski – Laurel Hell

Die aggressive Kommerzialität und digitale Künstlichkeit der 1980er Jahre ironisiert Mitski auf ihrem ehrgeizigsten Album, indem sie schwungvollen Pop und raffinierte großstädtische Balladen einsetzt, um sich mit menschlichen Bedürfnissen auseinanderzusetzen, sei es nach Kapital oder Liebe. Ein Triumph des Arrangements, mit einer Art Rokoko-Futuristen-Studio-Sound, dessen Pop-Hooks verhindern, dass es überarbeitet wirkt.

Molly Nilsson – Extreme

Nach zehn Alben ist die in Schweden geborene und in Berlin lebende Synthie-Pop-Sängerin immer noch so lo-fi wie eh und je, aber ihr Songwriting wird immer stärker. Ihr Sinn für Ironie ist stark und witzig – Hair-Metal-Akkorde scheinen dumme Aggressionen aufzuspießen, und der fröhliche Refrain von Earth Girls „Frauen haben keinen Platz in dieser Welt“ ist ein vernichtendes Porträt giftiger Männlichkeit – aber Kids Today und Fearless Like a Child haben eine geradlinige, bewegende Naivität. Pompeii hingegen ist Pop auf Calvin Harris-Niveau, der eigentlich ein Hit hätte werden sollen.

Rosalía – Motomami

Man könnte es als Ehrgeiz auf Kanye-Niveau bezeichnen, wenn Ye ihn nicht auf seinen letzten Platten vergeudet hätte: Das dritte Album der Spanierin zeigt ihre unvergleichliche Bandbreite, die eifrige Verehrung der Musik, die sie hervorgebracht hat, und einen explosiven, kollagistischen Verstand, der ihr ganz eigen ist. Es gibt Dembow (La Combi Versace), Bachata (La Fama), ihr Markenzeichen Flamenco (Bulerías) und einfallsreiche Verbeugungen vor so unterschiedlichen Ikonen wie Daddy Yankee, Lil‘ Kim und Willie Colón. Und sie hat Bars (Saoko), süchtig machende Bops (Chicken Teriyaki) und Schönheit: ihre Stimme auf Hentai ist Disney-Heldin-schön, wenn sie darüber singt, dass der Beischlaf nur von der Göttlichkeit übertroffen wird.

Joel Ross – The Parable of the Poet

Die Stimmung des dritten Albums des Vibraphonisten Joel Ross ist häufig schwül, beruhigt und von Coltrane-artiger Spiritualität durchdrungen – was sich in den Titeln Prayer, Benediction und Wail zeigt -, aber sie weicht auch in unruhigere, dunklere Gefilde ab, wie bei Choices. Das alles fließt wunderbar und lässt den Hörer eintauchen: ein Album, dem man sich gerne hingibt.

Soul Glo – Diaspora Problems

Halsbrecherisch schneller und absolut großartiger Hardcore-Punk aus Philadelphia, bei dem Frontmann Pierce Jordan seiner Wut in Tausenden von Worten Luft macht wie ein politischer Demonstrant im Schnelldurchlauf. Neben stämmigen Riffs, die ein Auto umwerfen könnten, gibt es gelegentliche Ausflüge in Death Grips-ähnlichen Rap und Spoken Word.

St Paul and the Broken Bones – The Alien Coast

St Paul and the Broken Bones haben für ihr viertes Album den Begriff „Cosmic Sound“ erfunden, der Paul Janeways gefühlvollen Kirchengesang mit Giorgio-Moroder-Disco und einer doomig-epischen, elektronisch angehauchten Version ihres Country-Rock-Soul-Hybriden verbindet. Wer sich zuerst den großartigen Abschlusssong Love Letter from a Red Roof Inn anhört, wird süchtig.

Stromae – Multitude

Das lang erwartete dritte Album des belgischen Synthie-Pop-Stars war subtiler als seine Durchbruchshits Papaoutai und Alors on Danse, aber seine Tiefe hat das neunjährige Warten belohnt. Er verfeinerte die Instrumentierung, indem er Streich- und Holzblasinstrumente aus aller Welt einflocht, und nutzte die Satire, um die Wahrheit darüber zu sagen, wie Menschen sich gegenseitig übervorteilen. Auf Santé jubelt ein Chor in einem Atemzug den Arbeitern zu, die uns durch die Pandemie gebracht haben, um dann im nächsten Atemzug vor Anspruch auf sie zu stinken.

Kurt Vile – (watch my moves)

Der amerikanische Singer-Songwriter hat einen der beständigsten Kataloge im Indie-Bereich des 21. Jahrhunderts, aber Album neun ist sein bestes: der Sound eines weisen Mannes, der keine Antworten hat, sondern einfach nur glücklich durchs Leben geht und hier auf einen Klassiker nach dem anderen stößt.

The Weeknd – Dawn FM

Weniger unmittelbar als der überaus erfolgreiche Vorgänger After Hours – nichts ist so offensichtlich kommerziell wie der große Hit Blinding Lights – ist Dawn FM ein gekonnt gemachtes, wunderschön gestaltetes Konzeptalbum, auf dem sich 80er-Jahre-beeinflusster R&B mit Daft Punk-artigem Pop-House und Killer-Balladen die Klinke in die Hand gibt, vollgepackt mit so vielen großartigen Songs, dass es fast unmöglich ist, ein Highlight auszuwählen.

Wet Leg – Wet Leg

Wet Leg’s Chaise Longue klang auf den ersten Blick wie die Art von witziger Indie-Neuheit, die in John Peels Festive 50 ganz oben landete. Doch ihr gleichnamiges Debüt hatte wesentlich mehr zu bieten: Es hat Haken und Ösen und bietet intelligente, witzige, scharf gezeichnete Studien über das Leben von Kleinstadtfrauen in ihren 20ern.

Nilüfer Yanya – Painless

Yanyas Debütalbum Miss Universe aus dem Jahr 2019 war ein großartiges Durcheinander, das in verschiedene musikalische Richtungen ausuferte. Painless ist schärfer, cooler, kohärenter und fokussierter – die Musik orientiert sich am Alt-Rock der 80er und 90er Jahre, die Texte sind pointiert und sparsam, die Melodien ausgefeilt und stark. Es ist auch besser: ein Lehrstück für die Verfeinerung des eigenen Handwerks.

Yard Act – The Overload

Der Punkt, an dem die Tendenz des alternativen Gitarrenrocks zum Sprechgesang die Spitze der Charts erreichte. Man konnte sehen, warum: The Overload boten skitternden, aber muskulösen Post-Punk-Funk und Texte, die sich über witzige (wenn auch naseweise) Satire hinaus zu etwas Komplexerem und Bewegenderem entwickelten, wie in der langen Vignette Tall Poppies und dem surrealen, epischen Schlussstück 100% Endurance.