Freizeit

So erkennt man ein gutes Casino mit Paysafecard als Zahlungsmethode

Die Auswahl eines Online-Casinos, das Paysafecard als Zahlungsmethode akzeptiert, kann eine kluge Entscheidung sein. Doch woran erkennt man ein gutes Paysafecard-Casino? In diesem Artikel werden wir die wichtigsten Merkmale eines guten Paysafecard-Casinos beleuchten, damit Spieler eine fundierte Entscheidung treffen können.

Breite Auswahl an Spielen: Vielfalt für jeden Geschmack

Ein gutes Paysafecard-Casino zeichnet sich durch eine breite Auswahl an Spielen aus, aber natürlich in allererster Linie davon, dass das Einzahlen mit Paysafecard im Casino ohne weiteres möglich ist. Von Spielautomaten über Tischspiele bis hin zu Live-Casino-Spielen sollte für jeden Spieler etwas dabei sein. Eine vielfältige Spielebibliothek sorgt für Unterhaltung und Abwechslung und trägt zur Attraktivität des Casinos bei.

Sicherheit und Lizenzierung: Vertrauen und Zuverlässigkeit

Ein weiteres wichtiges Merkmal ist die Sicherheit und Lizenzierung des Casinos. Spieler sollten darauf achten, dass das Paysafecard-Casino über eine gültige Glücksspiellizenz verfügt, die von einer anerkannten Behörde ausgestellt wurde. Dies stellt sicher, dass das Casino reguliert wird und strenge Standards in Bezug auf Fairness und Datenschutz einhält.

Kundenservice und Unterstützung: Spielerorientierte Betreuung

Ein gutes Paysafecard-Casino zeichnet sich auch durch einen professionellen und zuverlässigen Kundenservice aus. Spieler sollten Zugang zu einem effizienten Support-Team haben, das bei Fragen oder Problemen schnell und kompetent weiterhilft. Ein guter Kundenservice trägt maßgeblich zur Zufriedenheit der Spieler bei.

Attraktive Bonusangebote und Aktionen: Mehr Wert für Spieler

Zu guter Letzt sollten Spieler auf attraktive Bonusangebote und Aktionen achten, die das Paysafecard-Casino bietet. Von Willkommensboni über Freispiele bis hin zu Cashback-Angeboten sollten Spieler regelmäßig von lukrativen Promotionen profitieren können. Diese Boni erhöhen den Wert des Spielens im Casino und bieten zusätzliche Anreize für Spieler.

Fazit: Ein gutes Paysafecard-Casino bietet Vielfalt, Sicherheit und Service

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass ein gutes Paysafecard-Casino durch eine breite Auswahl an Spielen, Sicherheit und Lizenzierung, erstklassigen Kundenservice sowie attraktive Bonusangebote und Aktionen gekennzeichnet ist. Spieler sollten diese Merkmale bei der Auswahl eines Paysafecard-Casinos berücksichtigen, um ein unterhaltsames und sicheres Spielerlebnis zu genießen.

Music

Entdecken Ihr neue Klänge und Überraschungen beim Ottawa’s Bluesfest

Ottawa’s Bluesfest, ein erstklassiges Musikfestival, inspiriert und unterhält weiterhin und fördert gleichzeitig neue Talente. Nick Horne, Leadsänger der Indie-Rockgruppe Hopper, ist ein Beispiel für die Wirkung der Veranstaltung. Er trat auf dem Festival auf, nachdem er 12 Jahre lang nur als Zuschauer dabei war.

Hornes Weg vom Zuschauer zum Künstler unterstreicht die Rolle des Festivals bei der Förderung aufstrebender Musiker.

Das breit gefächerte Programm deckt ein breites Spektrum an Musikgeschmäckern ab, von Rap über Country bis hin zu Sahararock. Diese Vielfalt ist nicht nur unterhaltsam, sondern hat auch das Potenzial, künftige Künstler zu inspirieren, wie die begeisterte Reaktion selbst der jüngsten Besucher zeigt.

Das Bluesfest zieht ein vielfältiges Publikum an, darunter Künstler wie der Cartoonist Liam Silke, der Künstler aus dem Publikum zeichnet, und Kyle Humphrey, der für sein Crowd-Surfing bekannt ist, obwohl er einen Rollstuhl benutzt. Diese Besucher tragen zu der einzigartigen Atmosphäre bei und zeigen, auf welch unterschiedliche Weise sich die Menschen mit der Musik beschäftigen und von ihr inspiriert werden.

Obwohl das Bluesfest mit einigen Kritikpunkten konfrontiert ist, wie z.B. den Transportproblemen und den hohen Ticketpreisen, bleibt es für viele ein beliebtes Ereignis.

Vielfältige Musikgenres

Das abwechslungsreiche Programm des Festivals zieht ein vielfältiges Publikum an, das einen Großteil der Bevölkerung Ottawas widerspiegelt. Von Gruftis und schwulen Cowboys bis hin zu Cosplayern und älteren Männern in Golfhemden repräsentiert das Publikum ein breites Spektrum der Einwohner der Stadt.

Das Bluesfest ist mehr als nur ein Musikfestival. Es ist ein Ort, an dem Menschen Inspiration finden, neue Klänge entdecken und möglicherweise ihre eigene künstlerische Reise antreten können. Die Veranstaltung spielt weiterhin eine wichtige Rolle in der kulturellen Landschaft der Stadt und bietet sowohl etablierten als auch aufstrebenden Künstlern die Möglichkeit, ihr Talent zu präsentieren.

Trotz aller Herausforderungen ist das Festival in der Lage, verschiedene Künstler, Genres und Publikumsgruppen zusammenzubringen, zukünftige Musiker zu inspirieren und eine Plattform für künstlerischen Ausdruck zu bieten, was seine Position als Eckpfeiler der Musikszene Ottawas festigt.

Auch wenn es sich weiter entwickelt und anpasst, bleibt das Bluesfest ein Zeugnis für die anhaltende Kraft der Live-Musik, zu vereinen, zu inspirieren und zu unterhalten.

Musikgenres

Die musikalische Entwicklung Südafrikas: Amapiano steht im Mittelpunkt

Die Straßen Südafrikas sind seit langem ein Nährboden für innovative Klänge, wobei Amapiano derzeit die Führung übernimmt. Amapiano ist ein Deep-House-Genre, das sich durch trommelgetriebene Basslines und gefühlvolle Klaviermelodien auszeichnet und weltweit Anerkennung gefunden hat.

Die Entwicklung der südafrikanischen Musik von ihren bescheidenen Anfängen in den Townships bis zu ihrer heutigen weltweiten Bedeutung zeigt das reiche musikalische Erbe, die kulturelle Vielfalt und die bemerkenswerte Widerstandsfähigkeit des Landes. Im Zuge der weiteren Entwicklung Südafrikas wird die Musik zweifellos eine zentrale Rolle bei der Definition der kulturellen Identität des Landes und der Förderung von Verbindungen mit der übrigen Welt spielen.

Amapiano, das in den letzten Jahren die südafrikanischen Charts und den Äther dominiert hat, ist einer der wichtigsten Trends in der lokalen Musikszene. Der Musikstil ist nicht nur in seinem Heimatland beliebt, sondern stößt auch in anderen afrikanischen Ländern und im Vereinigten Königreich auf wachsendes Interesse.

Eine Präsenz unter den Musikgenres aufbauen

Der sich ständig weiterentwickelnde internationale Musikmarkt hat südafrikanischen Musikern unschätzbare Möglichkeiten geboten, ihren einzigartigen Sound zu präsentieren und mit Zuhörern aus allen Teilen der Welt in Kontakt zu treten. Dies hat die weltweite Anziehungskraft und Anerkennung des Genres dramatisch gesteigert.

Eine Reihe talentierter südafrikanischer Künstler wie Kabza De Small, DJ Maphorisa, Sha Sha, Major League DJz, Focalistic, Musa Keys und Vigro Deep haben mit ihren innovativen Kreationen und gefühlvollen Interpretationen unauslöschliche Spuren in dieser Art von Musik hinterlassen.

Auf der globalen Szene hat die in Simbabwe geborene Sängerin Sha Sha Geschichte geschrieben, indem sie sich weltweite Anerkennung in der Musikindustrie sicherte. Ein bemerkenswerter Erfolg wurde 2020 erzielt, als Sha Sha bei den BET Awards mit dem Titel Best New International Act geehrt wurde.

Die Anziehungskraft von Amapiano hat Künstler verschiedener Musikrichtungen und Nationalitäten angezogen, wie z.B. den nigerianischen Electro-Fusion-Sänger Wurld, der begonnen hat, das Genre auch außerhalb Südafrikas zu erkunden. Dies unterstreicht den wachsenden Einfluss und die Wirkung der südafrikanischen Musik auf globaler Ebene.

Die Mischung aus traditioneller afrikanischer Musik und modernen elektronischen Beats hat das Publikum auf der ganzen Welt in ihren Bann gezogen und eine neue Generation südafrikanischer Künstler auf die internationale Musikbühne katapultiert.

Music

RIIZE: Hit-Song ‚Boom Boom Bass‘ für Comeback-Debüt

RIIZE, ein aufstrebender Star in der K-Pop-Szene, bereitet sich mit dem Titelsong „Boom Boom Bass“ auf ihr Comeback am 17. Juni vor.

Die Gruppe debütierte im September 2023 mit ihrem Single-Album „Get a Guitar“. Seitdem haben sie mit ihrem emotionalen Pop-Sound und ihren ansteckenden Beats Wellen geschlagen.

Das erste Mini-Album von RIIZE mit dem Titel „RIIZING“ wird acht Titel enthalten, darunter den Titelsong „Boom Boom Bass“ und bereits veröffentlichte Fan-Favoriten wie „Siren“, „Impossible“, „9 Days“, „Honestly“, „One Kiss“, „Talk Saxy“ und „Love 119“.

Die Teaser-Bilder zum Album, der Teaser zum Musikvideo und Pop-up-Events wurden bereits angekündigt.

RIIZE bereitet sich auch auf ihr japanisches Debüt mit der Veröffentlichung der digitalen Single „Lucky“ am 24. Juli vor.

Mit ihrem bevorstehenden Comeback und ihren internationalen Tourneen möchte RIIZE weiter wachsen und ihre Träume als Team verwirklichen.

Ihre Fangemeinde hat diesen Moment schon sehnsüchtig erwartet und die Vorbestellungen für „RIIZING“ haben bereits in verschiedenen Online- und Offline-Musikgeschäften begonnen.

Wir sehen uns im September

RIIZE, die südkoreanische Boyband, die im September 2023 von SM Entertainment gegründet wurde, hat sieben Mitglieder. Sie sind Shotaro, Eunseok, Wonbin, Anton, Sungchan, Seunghan und Sohee.

Der September stellt einen wichtigen Meilenstein für RIIZE dar. Er fällt zusammen mit dem Abschluss ihrer Fan-Con-Tour in zehn Städten weltweit und einem speziellen Event zum ersten Jahrestag im KSPO Dome in Seoul.

Die Fans können während dieser Tour exklusive Auftritte und Interaktionen erwarten, die ihre Bindung an die Gruppe vertiefen.

Die Hingabe der Gruppe an ihr Handwerk und ihr Engagement für ihre Fans ist seit ihrem Debüt unübersehbar, und es gibt keine Anzeichen dafür, dass sie langsamer werden.

Das Wachstum und der Fortschritt von RIIZE sind ein Beweis für ihre harte Arbeit und Entschlossenheit und inspirieren viele junge Künstler in der Branche.

Da das Veröffentlichungsdatum von „RIIZING“ immer näher rückt, können sich die Fans auf neue Musik dieser talentierten Gruppe freuen.

Music

Beyoncés „Cowboy Carter“ führt die Charts an und schreibt Geschichte

Beyoncé - Beyoncé Tottenham Hotspur Stadium 1st June 2023 (10 of 118) (best crop), tags: cowboy den - CC BY-SA
Beyoncé – Beyoncé Tottenham Hotspur Stadium 1st June 2023 (10 of 118) (best crop) – CC BY-SA

Das Album_“Act II: Cowboy Carter_“ des Superstars hat Geschichte geschrieben, denn es ist das erste Album einer schwarzen Frau, das den ersten Platz der Top Country Albums Charts erobert hat.

Laut Billboard 200 Albums Chart hat Beyonce’s neueste Kollektion den Spitzenplatz erreicht, und das bereits zum achten Mal. Im Februar stellte sie außerdem einen Rekord auf, als eine ihrer Debütsingles, Texas Hold ‚Em“, Platz eins der Billboard Hot Country Songs-Charts erreichte.

Zurzeit wird darüber diskutiert, ob Beyonce eine Country-Künstlerin ist, obwohl ihr letztes Album eine Mischung aus verschiedenen Genres wie Pop, Country, R&B, Zydeco und anderen ist. Beyonce hat jedoch Beweise für ihren Anspruch auf Country-Musik.

Beyonce hat einen Hintergrund, der im amerikanischen Süden verwurzelt ist, da sie in Houston, Texas, aufgewachsen ist, einer Stadt, die für ihre lebendige Country-Musik-Community bekannt ist. In ihrem populären Song „Formation“ verweist sie auf ihre familiären Bindungen zum Süden: Ihr Vater, Mathew Knowles, wurde in Gadsden, Alabama, geboren und ihre Mutter, Tina Knowles, stammt aus Galveston, Texas. Ihre Verwandten haben auch Verbindungen nach Louisiana.

Wenn man argumentiert, dass Beyoncé das Erbe der Country-Musik fehlt, was ist dann mit zwei der prominentesten Stars dieses Genres?

Bei den CMT Music Awards 2024 trat der aus Australien stammende Keith Urban auf die Bühne und präsentierte seinen Song_Straight Line_“. Der Australier ist ein bekanntes Gesicht der Preisverleihung, bei der die Country-Musik im Mittelpunkt steht, und hat im Laufe der Jahre neun Auszeichnungen erhalten.

Darüber hinaus hat Urban seit seinem Debüt im Jahr 1991 zahlreiche Country Music Association Awards und Grammys im Genre der Country-Musik gewonnen.

Wenn Sie das nicht beeindruckt, dann gibt es immer noch Shania Twain.

Die als „Queen of Country Pop“ bezeichnete Künstlerin gehört mit geschätzten 90 Millionen verkauften Alben weltweit zu den erfolgreichsten Frauen in der Country-Musikbranche. Die Musikerin stammt aus Kanada.

Die kanadische Kollegin K.D. Lang wurde, wie auch andere Künstler wie Twain, in der Country-Musikszene willkommen geheißen. Dies zeigt, dass Country-Musik nicht durch den Standort begrenzt ist. Daher sollte es keinen Zweifel daran geben, dass Beyonce, die offen gesagt hat, dass ihr „Cowboy Carter“-Album durch die Erfahrung inspiriert wurde, sich nicht willkommen zu fühlen, einen Platz am Tisch der Country-Musik haben sollte.

[Es wurde aus einer Erfahrung geboren, die ich vor Jahren gemacht habe, als ich mich nicht willkommen fühlte…und es war sehr klar, dass ich es nicht war.

Beyonce

Nun hat Queen Bey anscheinend die Initiative ergriffen, ihren eigenen Tisch zu bauen.

Beyoncé

Beyoncé Giselle Knowles-Carter is an American singer, songwriter, actress, film director, and businesswoman. Dubbed as „Queen Bey“ and a prominent cultural figure of the 21st century, (wikipedia)

Beyoncé (album)

Beyoncé is the fifth studio album by American singer Beyoncé. It was released in the early hours of December 13, 2013, through Parkwood Entertainment and Columbia Records as a complete surprise. (wikipedia)

Freizeit, Music

Die Magie der Klänge: Die Rolle der Musik in Casinos
Equalizer, Musik im casino
einfluss von musik im casino

Wenn man an Casinos denkt, tauchen oft Bilder von glamourösen Spielumgebungen, funkelnden Lichtern und gespannten Spielern vor dem geistigen Auge auf. Doch hinter den Kulissen dieser schillernden Welt spielt ein oft unterschätzter Faktor eine entscheidende Rolle bei der Gestaltung der Spielerfahrung: die Musik. Die subtile Kraft der Töne und Rhythmen, die in Casinos erklingen, hat einen tiefgreifenden Einfluss auf die Stimmung, das Verhalten der Spieler und die allgemeine Atmosphäre.

Die Stimmungsmacher: Musik als Atmosphärenschaffer

Die Musik in Casinos agiert wie ein unsichtbarer Dirigent, der die emotionalen Wellen der Spieler lenkt. Von gedämpften Klängen in den Morgenstunden bis hin zu aufregenden Rhythmen in den späten Abendstunden – die Musik passt sich den Tageszeiten an und beeinflusst so das gesamte Ambiente. Entspannende Melodien in den frühen Stunden schaffen eine einladende und beruhigende Atmosphäre, die den Gästen das Gefühl vermittelt, willkommen zu sein und sich in einer komfortablen Umgebung zu befinden. Am Abend steigert sich die Musik in Tempo und Energie, um die Spannung und den Nervenkitzel zu verstärken.

Der Takt des Spiels: Musik und Spielverhalten

Ein faszinierender Aspekt der Musik im Casino ist ihre Fähigkeit, das Spielverhalten der Gäste zu beeinflussen. Schnelle und energetische Musik kann den Puls der Spieler beschleunigen, sie motivieren und dazu verleiten, schneller zu spielen. Dies kann zu höheren Einsätzen und einem gesteigerten Spieltempo führen. Auf der anderen Seite kann langsame und beruhigende Musik eine entspanntere Spielweise fördern, wodurch die Spieler länger verweilen und bewusster agieren. Der Takt der Musik harmoniert mit dem Takt des Spiels, wodurch eine subtile Synchronisation entsteht.

Emotionen in Harmonie: Musik und Gefühle

Musik hat eine einzigartige Fähigkeit, Emotionen hervorzurufen und zu verstärken. Die ausgewählte Musikrichtung kann die Spieler in unterschiedliche Gemütszustände versetzen – von enthusiastischer Freude bis hin zu entspannter Gelassenheit. Dies beeinflusst, wie die Spieler ihre Gewinne und Verluste wahrnehmen. Positive und mitreißende Melodien können Siege euphorischer erscheinen lassen, während beruhigende Klänge negative Emotionen mildern können.

Die Klangkulisse als Erlebnisfaktor: Geselligkeit und Ablenkung

Die Musik im Casino hat nicht nur einen individuellen, sondern auch einen sozialen Aspekt. Sie schafft eine gemeinsame Klangkulisse, die Gespräche und Interaktionen zwischen den Gästen fördert. Die musikalische Begleitung kann auch als Ablenkung von störenden Geräuschen und Umgebungsgeräuschen dienen, was zu einer angenehmeren Spielumgebung führt. Live-Auftritte und musikalische Darbietungen bieten den Gästen zudem zusätzliche Unterhaltung und tragen zur Lebendigkeit des Casinos bei.

Die Kunst der Auswahl: Musik als strategisches Element

Die Auswahl der Musik im Casino ist keine willkürliche Entscheidung. Casinos nutzen die Kraft der Musik strategisch, um die gewünschte Atmosphäre und Reaktion der Gäste zu erzielen. Die Musikauswahl berücksichtigt das Casino-Thema, die Zielgruppe, das Spielangebot und die Tageszeit. Von sanfter Jazzmusik in eleganten Etablissements bis hin zu pulsierender elektronischer Musik in modernen Casinos – jede Musikauswahl trägt zur Identität des Casinos bei.

In der schillernden Welt der Casinos spielt Musik eine Rolle, die über das bloße Hintergrundrauschen hinausgeht. Sie formt die Stimmung, beeinflusst das Verhalten der Spieler und verleiht der Umgebung eine besondere Atmosphäre. Die Magie der Klänge in Casinos ist ein Beispiel für die subtile Art und Weise, wie Musik unsere Sinne und Gefühle berühren kann – eine unsichtbare Kraft, die das Spielerlebnis auf harmonische Weise ergänzt.

Freizeit

Discobesuche zählen für viele als Highlight am Wochenende. Tanzen, Drinks und gute Musik machen Spaß, kosten jedoch auch viel Geld. Aus diesem Grund verbringen immer mehr Leute ihre Freizeit damit, in Online-Casinos Geld zu gewinnen. Insbesondere Bitcoin-Online-Casinos sind auf dem Vormarsch.

1. Was ist Glücksspiel mit Kryptowährungen?

Das Glücksspiel mit Kryptowährungen ist eine der neuesten und beliebtesten Methoden des Online-Glücksspiels. Sie verwenden dieselbe Technologie wie Kryptowährungen, z. B. Bitcoin. Der Hauptunterschied zwischen herkömmlichen Glücksspielen und Kryptowährungen besteht darin, dass keine Banken an der Überweisung von Geldern beteiligt sind. Es gibt auch keine Dritten, die Gewinne mit anderen Beteiligten teilen, wie Steuerbehörden, lokale Behörden usw. Alle Gewinne gehören daher ausschließlich Ihnen.

Wenn man sich intensiver mit Kryptowährungen im Online-Casino befassen möchte, findet man hilfreichen Rat zu Online Casino Bitcoin Anbietern auf fachkundigen Seiten.

Es gibt auch keine Möglichkeit von Identitätsdiebstahl, Betrug, Rückbuchungen und anderen Problemen, für die herkömmliche Glücksspielseiten anfällig sind. Obwohl Kryptowährungen eine hervorragende Alternative zu herkömmlichen Glücksspielseiten auf Basis von Fiat-Währungen zu sein scheinen, gibt es einen erheblichen Unterschied in der Anonymität der beiden Systeme.

2. Warum sind Kryptowährungen anonym?

Einer der Hauptvorteile der Nutzung von Kryptowährungs-Glücksspielseiten gegenüber auf Fiat-Währung basierenden Seiten ist ihre Anonymität. Um eine Website zu nutzen, die auf Fiat-Währungen basiert, müssen Sie sich registrieren, Ihre Daten angeben und einen gültigen Identitätsnachweis erbringen. Manchmal werden Sie auch aufgefordert, Ihr Alter für bestimmte Wettarten anzugeben. Diese Informationen werden sowohl von der Glücksspielseite als auch von der Regierung gespeichert und überwacht, um Betrug und Identitätsdiebstahl zu verhindern. Einigen Quellen zufolge können Sie sogar besteuert werden, wenn Sie einen hohen Geldbetrag gewinnen.

Im Gegensatz dazu gibt es bei der Nutzung von Kryptowährungsseiten keine solchen Anforderungen. Bei der Verifizierung Ihres Kontos benötigt die Seite lediglich die Sperrnummer der Gewinntransaktion. Damit kann bestätigt werden, dass Sie tatsächlich der Gewinner des jeweiligen Spiels waren und dass nicht jemand anderes die Wetten in Ihrem Namen platziert hat.

3. Wie kann man mit Kryptowährungen gewinnen?

Wenn es darum geht, mit Kryptowährungen zu gewinnen, gibt es zwei Vorteile. Erstens gibt es keine Beschränkungen für den Betrag, den Sie gewinnen können. Abgesehen von den Beschränkungen, die durch die Naturgesetze auferlegt werden, verbietet kein Casino das Glücksspiel mit Bitcoin, Dogecoin, Litcoin und anderen Kryptowährungen. Bei den meisten Kryptowährungsseiten gibt es keine Obergrenze für den Betrag, den man in ihren Spielen setzen kann. Bitcoin-Casino-Websites begrenzen jedoch den Betrag an Bitcoin, den Sie auf Ihr Konto einzahlen können. Je mehr Sie einzahlen, desto mehr können Sie mit Bitcoins gewinnen. Außerdem ist Ihre Bank nicht in der Lage, Geld von Ihrem Konto abzuheben, wenn Sie Bitcoin anstelle von Fiat-Währung verwenden.

4. Wie kann ich die Gewinne aus einem einzahlungsfreien Bonus eines Bitcoin-Casinos behalten?

Einige Bitcoin-Casinos ohne Einzahlung geben Ihnen das Recht, kostenlose Bitcoins oder Bargeld für die Registrierung eines neuen Kontos zu erhalten. Folglich möchten Sie Ihre Slot-Gewinne vielleicht nicht riskieren und verkaufen die kostenlosen Bitcoins oder ziehen sie von Ihren Casino-Gewinnen ab. Manche tauschen ihre Gewinne in Fiat-Währung um, weil sie keine weiteren Bitcoins auf Ihr Casino-Konto einzahlen wollen.

5. Hat das Casino gerechte Bedingungen?

Ein weiterer Vorteil der Nutzung von Kryptowährungs-Glücksspielseiten gegenüber traditionellen Fiatwährungs-Glücksspielseiten ist, dass die Spiele nachweislich ehrlich sind. Wenn man auf einer auf Fiat-Währung basierenden Glücksspielseite spielt ist es manchmal schwierig festzustellen, ob die Spiele nicht in irgendeiner Weise manipuliert oder verfälscht worden sind. Bei Casinos jedoch die Kryptowährungen als Zahlungsmittel akzeptieren und direkt auf der Blockchain wetten, ist es einfach zu überprüfen, ob sie ehrlich sind oder nicht. Dies ist dank der Bitcoin-Casino-Plattformen möglich, die einen neuen Algorithmus namens „Providers Fair“ verwenden.

Freizeit

16000 Euro Kredit für den Aufbau einer Disco leihen

Die Aufnahme von 16000 Euro kann noch auf 2 Arten erfolgen. Sie können 16000 Euro in Form eines persönlichen Kredits für die Cluberöffnung oder in Form eines revolvierenden Darlehens aufnehmen. Für größere Beträge gibt es noch eine dritte Möglichkeit.

Sie können sich dann für eine Kombination der Kreditformen entscheiden. Also einen Teil des Kredits in Form eines Privatkredits und einen Teil als revolvierenden Kredit. Allerdings sind 5.000 Euro dafür noch zu wenig. Auch ein Minikredit ist nicht möglich. Bei einem Minikredit können Sie noch maximal 1.500 Euro aufnehmen.

Jahrelang waren Privatkredite (viel) teurer als revolvierende Kredite. Dies hat sich jedoch in letzter Zeit rasch geändert. Wenn Sie sich Geld zu einem niedrigen Zinssatz leihen wollen, ist ein Privatkredit der richtige Weg. Tatsächlich ist es jetzt möglich, einen Privatkredit ab einem Zinssatz von 4,1 % aufzunehmen.

Bei 16000 Euro Kreditaufnahme ist das übrigens noch nicht möglich. Das liegt daran, dass der Zinssatz nach Tranchen gestaffelt ist. Je mehr Sie leihen, desto niedriger ist der Zinssatz. Die erste Tranche liegt normalerweise zwischen 5.000 und 15.000 Euro. Wenn Sie also mehr als 15.000 € leihen, erhalten Sie einen niedrigeren Zinssatz.

Aufnahme von 16000 Euro mit einem revolvierenden Kredit

Sie bevorzugen etwas mehr Flexibilität? Dann könnte ein Kredit in Höhe von 16000 Euro mit einem revolvierenden Kredit eine gute Wahl für Sie sein. Mit einem revolvierenden Kredit können Sie Ihren Kredit ohne Vorschusszahlungen zusätzlich zurückzahlen. Und natürlich können Sie bis zu dem mit der Bank vereinbarten Kreditrahmen abheben.

Mit dieser Form der Kreditaufnahme haben Sie also immer etwas in Reserve. Beim revolvierenden Kredit kann es zwei Nachteile geben. Erstens ist der Zinssatz höher als bei einem Privatkredit. Zweitens besteht das Risiko, dass Sie immer wieder Abhebungen von Ihrem Kredit vornehmen. Wenn Sie sich das Geld für ein Auto leihen, kann es sein, dass das Auto bereits abgeschrieben ist, während Sie den Kredit noch abzahlen müssen.

Kreditaufnahme von 16000 Euro ohne Bonitätsprüfung

Wenn Sie sich Geld ohne Bonitätsprüfung leihen wollen, gibt es nicht viele Möglichkeiten. Vor allem, wenn es um einen Kredit von 16000 Euro geht.

Die einzigen kommerziellen Kreditgeber für Kredite ohne Bonitätsprüfung sind die Anbieter der Minikredite. Sie können sich an sie wenden, wenn das Leihen von Geld ohne Bonitätsprüfung wirklich die einzige Option ist. Allerdings können Sie bei ihnen nicht mehr als 1.500 Euro leihen. Daher ist ein Kredit von 16000 Euro ohne Bonitätsprüfung bei ihnen leider keine Option.

Tipps für einen verantwortungsvollen Kredit in Höhe von 16000 Euro

Wenn Sie sich Geld leihen, möchten Sie natürlich verantwortungsbewusst handeln. Dazu gibt es eine Reihe von Tipps.

  • Nehmen Sie nie mehr Geld auf, als Sie brauchen
  • Vergleichen Sie immer Kredite
  • Achten Sie auf den Zinssatz und die Gesamtkosten
  • Holen Sie mehrere Kostenvoranschläge ein
  • Zahlen Sie Ihren Kredit immer so schnell wie möglich zurück.

Wenn Sie sich an die oben genannten Regeln halten, haben Sie gute Chancen, einen Kredit von 5.000 € zu erhalten. Es gibt noch einen weiteren Aspekt. Wenn Sie einen Kredit aufnehmen, um sich aus einer problematischen Situation zu befreien, besteht die Gefahr, dass die zusätzlichen monatlichen Raten Sie irgendwann umbringen. Sehen Sie sich daher zunächst an, warum Sie in finanzielle Schwierigkeiten geraten sind. Erst wenn diese beseitigt sind, kann es sinnvoll sein, einen Kredit aufzunehmen.

Worauf müssen Sie bei der Auswahl des richtigen Anbieters achten?

Es gibt viele, vielleicht zu viele. Anbieter von Krediten. Sie können sich an Ihre eigene Bank wenden, bei der Sie Ihr Girokonto führen. Sie können sich an spezialisierte Abteilungen von Banken wenden, wie Qander oder Santander. Oder Sie können sich an Kreditvermittler wenden. Diese gibt es in großer Zahl. Während es früher so war, dass ein Kredit von 16000 Euro bei einem Kreditvermittler nicht wirklich sinnvoll war, ist das heute anders.

Bei einem Kreditvermittler nehmen Sie einen Kredit zu einem niedrigeren Zinssatz auf als bei den spezialisierten Banken und zu einem viel niedrigeren Zinssatz als bei Ihrer eigenen Bank. Dieser Unterschied kann mehrere Prozent betragen. Sie können also 16000 Euro am günstigsten bei einem der Kreditvermittler leihen. Wenn Sie auf die Schaltfläche für die Beantragung eines Privatkredits oder eines revolvierenden Kredits klicken, werden Sie auf die richtigen Seiten weitergeleitet, um ein günstiges Darlehen aufzunehmen. Übrigens, trotz dieser vorteilhaften


Music

Von atmosphärischem Yacht-Rock bis hin zu Porträts unzufriedener Briten – hier ist unsere Auswahl der besten LPs 2022

Horace Andy – Midnight Rocker

Rocksteady- und Dub-Produktionen unter der Leitung von Adrian Sherwood – mit Streichern, Melodica und Mundharmonika – bieten eine stilvolle Untermalung für einen Mann, der für sich in Anspruch nehmen kann, die schönste Gesangsstimme Jamaikas zu haben. Sein Vibrato scheint vom Bass, der ihn umgibt, umspielt zu werden, eine Stimme in völliger Einheit mit ihrer Umgebung, während er Predigten über den Zustand der Welt hält.

Bad Bunny – Un Verano Sin Ti

Der populärste Popkünstler der Welt, wenn wir die Streaming-Daten als Maßstab nehmen, ist auch einer der begabtesten. Selbst wenn man kein Spanisch versteht, sind seine Gesangslinien so ergreifend, dass sich kleine Romanzen und Geschichten aufdrängen. Er springt von Trap zu Mambo zu House zu EDM zu wehmütigem Pop zu jedem Reggaeton-Tempo und beschwört jede mögliche Sommerstimmung herauf.

Big Thief – Dragon New Warm Mountain I Believe in You

Auf diesem Doppelalbum mit 20 Titeln, das im Kern Folk-Rock ist, aber auch Bluegrass, schrillen Rock, kratzigen Trip-Hop und vieles mehr enthält, sprudeln die Songs einer der produktivsten Bands der USA nur so. Noch erstaunlicher als ihre Vielseitigkeit und Hitrate ist ihre Gefühlsstärke: Adrianne Lenkers Gesang und das Spiel der Band sind durchdrungen von Kämpfen und aufrichtiger Liebe.

Axel Boman – LUZ

Dubbiger Breakbeat-House, sanfte Yacht-Rock-Atmosphäre, südafrikanischer Hip-Hop: Die erste der beiden 2022 erschienenen Sammlungen des Stockholmer Produzenten Boman ist ausgesprochen eklektisch und eine seltene Erscheinung in einem Genre, in dem Tracks fast immer Alben übertrumpfen: Es lohnt sich, sie von Anfang bis Ende zu hören, anstatt sich einzelne Songs für eine Playlist herauszupicken.

Cate Le Bon – Pompeii

„Raise a glass in a season of ash“, singt Le Bon auf ihrem erhabenen sechsten Album, das sie schrieb, als sie versuchte, sich in das Chaos der Pandemie hineinzuversetzen, und das, inspiriert von Größen wie Cabaret Voltaire, Neugier statt Angst umarmt. Pompeii ist reich an quecksilbrigen Saxophonen und einem getrübten Sinn für dunklen Glamour, als hätte jemand die frühen Roxy Music aufgeraut. Es ist cool, mit einem schrägen Stolz, dem man nicht nacheifern könnte, aber auch deutlich verletzlich, wobei Le Bon ungeschminkte Menschlichkeit als Geste der Hoffnung anbietet.

Charli XCX – Crash

Ein seltenes Beispiel für eine Künstlerin, die eine perfekte Kehrtwende im Popbereich vollzieht. Auf ihrem letzten Album für Atlantic – einer zerrütteten Beziehung – entschied sich XCX dafür, sie mit ihren eigenen Waffen zu schlagen, indem sie sich in die Rolle des „Major-Label-Popstars“ begab und sich auf erstklassige Co-Writes und radiotaugliche Knaller einließ. Crash“ funktioniert, weil es sich nie durch das Konzept erdrückt fühlt und mit sofortigen Songs wie „Beg for You“ und „Baby“ und einer nicht geringen Menge an Emotionen gefüllt ist. Es ging nicht nur um die Trennung von ihrem Label, sondern auch um das endgültige Ende ihrer schwankenden Langzeitbeziehung und den Verlust ihrer verstorbenen Kollegin Sophie.

Acapella

Eric Chenaux – Say Laura

Erlauben Sie mir ein paar berechtigte Übertreibungen: Der kanadische Songwriter hat eine der großartigsten Gesangsstimmen aller Zeiten in der populären Musik, ein intensiv romantisches, an Chet Baker erinnerndes Instrument, das mit durchdringender Richtung zu schweben scheint, wie ein Papierflugzeug, das hart durch den Nebel geworfen wird. Unterstützt von seiner ebenso unverwechselbaren, plätschernden Gitarre, ist Say Laura ein perfekter Einstieg in sein Werk mit einigen seiner schönsten Kompositionen – und There They Were ist vielleicht sein bestes überhaupt.

Silvana Estrada – Marchita

Das Debütalbum der 24-jährigen mexikanischen Songwriterin strotzt nur so vor Traurigkeit, nicht nur über die erste Trennung, sondern auch über die „Trauer um die erste Idee, die man von der Liebe hat“, wie sie sagt. Estrada spielt den venezolanischen Cuatro, der ein zartes Bett für ihren dramatischen Gesang bildet. Als Sängerin wurde sie von Jazzgrößen wie Sarah Vaughan und Ella Fitzgerald inspiriert. Sie zuckt vor Schmerz (Te Guardo), zerfranst vor Angst (Marchita) und kann eine Präzision aufbringen, die so elegant und treibend ist wie das Flattern eines Vogelflügels (Sabré Olvidar). Eine fesselnde Ankunft.

Fana Hues – Flora + Fana

Das verträumte zweite Album von Hues ist so flüssiger R&B, dass man darin schwimmen könnte. Während die kalifornische Musikerin versucht, mit einer Trennung zurechtzukommen, verwandelt sie diese trägen Tiefen in ein Prisma, das eine endlose Fülle verführerischer Schattierungen bricht: Moscato ist ein verletzliches, akustisches Plädoyer vom Boden eines leeren Weinglases; High Roller ein subtil psychedelisches Epos; Wild Horses ein durchsichtiges Bliss-out.

Father John Misty – Chloë and the Next 20th Century

Eine melodisch umwerfende Reihe von Genre-Pastiches – Easy-Listening-Bossa-Nova, Swing-Band-Bläser, John-Barry-Soundtrack – über die Joshua Tillman eine beißend komische Kurzgeschichte nach der anderen spinnt: Misery-Memoir-Autoren werden abgesagt, Beziehungen werden durch kürzlich verstorbene Haustiere wiederbelebt, unüberlegte sexuelle Liaisons werden durch Autounfälle unterbrochen. Ein Songwriter auf dem Höhepunkt seines Könnens.

Jenny Hval – Classic Objects

Hvals Musik hat sich oft mit der Stellung der Frau in der Gesellschaft auseinandergesetzt, und ihr achtes Album beginnt an einem vertrauten Ort, indem sie über die Institution der Ehe nachdenkt: Ein Mann macht ihr bei einem ihrer Auftritte einen Heiratsantrag, und auch bei ihrer eigenen Hochzeit. Die Norwegerin versichert uns, dass sie sich nur aus „vertraglichen Gründen“ auf dieses patriarchalische Konstrukt eingelassen hat. Doch im Laufe von Classic Objects schmilzt diese Gewissheit dahin, denn Hval hinterfragt, wie ihre Identität und ihre Werte entstanden sind und woran sie wirklich glaubt. So gewichtig das auch klingt, die Musik ist locker dubbig und flirrend, und Hval findet Humor, Leichtigkeit und Transzendenz in ihrer Suche.

Huerco S – Plonk

Der amerikanische Produzent Brian Leeds, alias Huerco S, hat mit seinem 2016er Album For Those of You Who Have Never (And Also Those Who Have) einen Ambient-Klassiker veröffentlicht: extrem schön, aber instabil und belastet. Diese Qualitäten werden auf diesem dichten, brillanten Nachfolger noch verstärkt, auf dem es üppige Akkorde und Glockenspiele in Hülle und Fülle gibt, die jedoch in einer Welt tiefgreifender Instabilität angesiedelt sind. Das Schlagzeugprogramm, hart und präzise wie eine Nagelpistole, tanzt irgendwo zwischen Speed Garage, Techno und Drill, aber Leeds ist ein Meister des Rhythmus, auch wenn es überhaupt kein Schlagzeug gibt.

Jeshi – Universal Credit

Universal Credit ist ein ebenso starkes und einprägsames Porträt des unzufriedenen Britanniens wie Boy in Da Corner von Dizzee Rascal oder Nothing Great About Britain von Slowthai (dessen Flow Jeshi zeitweise ähnelt) und ist das entscheidende Album unserer aktuellen Lebenskostenkrise. Mit fantasievollen Beats, die sich nicht an aktuelle Moden halten, stolpert Jeshi durch einen Mief von Drogen und gehemmter Erwerbskraft, während er über das Schicksal seiner Generation nachdenkt.

Kendrick Lamar – Mr Morale & the Big Steppers

In gewisser Weise ist Mr. Morale & the Big Steppers das Übliche: ein weiteres Meisterwerk eines Künstlers, der seit einem Jahrzehnt nichts als Meisterwerke veröffentlicht hat. Aber der wimmelnde Sound, die schillernden Raps und die gelegentlich riskanten Themen sind das Werk eines Mannes, der nicht stillhalten will.

Let’s Eat Grandma – Two Ribbons

Das dritte Album des Duos aus Norwich ist von Verlust geprägt: Jenny Hollingworth setzt sich mit dem Tod ihres Freundes auseinander, der an einer seltenen Form von Krebs erkrankt ist, und sie und Rosa Walton kämpfen damit, dass ihre lebenslange Freundschaft in die Brüche gegangen ist. Die Tatsache, dass sie nicht wegsehen, macht Two Ribbons zu einer so ergreifenden und schönen Platte, die Schmerz und Versöhnung in herzzerreißendem Synth-Pop und einem neuen Ausflug in die surreale Pastoralität wiedergibt.

Leyla McCalla – Breaking the Thermometer

Breaking the Thermometer war ursprünglich eine Bühnenshow über den Kampf Haitis für Demokratie in den 1960er Jahren. Dann stoppte die Pandemie die Aufführungen und McCalla machte daraus ein Album. Wie Anaïs Mitchells ähnlich ehrgeiziges, multimediales Hadestown kann man sich vorstellen, dass diese wunderbare, mitreißende Platte ein großes Publikum finden wird. McCallas Stimme, die sie auf Kreolisch und Englisch singt, hat eine einladende, weiche Autorität; ihr kinetisches Cello zupft und das Schlagzeug wirbelt richtig Staub auf. Am besten ist ihre Interpretation von Caetano Velosos You Don’t Know Me, ein rätselhafter Zustand, den McCalla mit träumerischer Freude über das Festhalten an der Privatsphäre, aber auch mit Frustration darüber, dass sich nur wenige dafür interessieren, tiefer zu graben, beschwört.

Cécile McLorin Salvant – Ghost Song

Die hochgeschmückte Jazz-Sängerin aus Miami zieht alle Register, um die verlorene Liebe zu befragen. Sie covert Kate Bushs Wuthering Heights in einem konfrontativ langsamen A-cappella-Gesang, singt Brecht und Weill mit der flotten Schönheit eines bunten Vogels, der sein Gefieder sträubt, und vermählt Musik aus The Wizard of Oz mit einem Song von Gregory Porter. Ihre Arrangements sind fantastisch: Man spürt die gemeinsamen Jazz-Einflüsse zwischen ihr und Fiona Apple, und das Original I Lost My Mind kombiniert barocke „verrückte Lieder“ mit aufgewühlten Orgeln, die an einen Song von Julia Holter erinnern. Ghost Song ermutigt zu wildem Staunen, verliert aber nie seinen einzigartigen Fokus.

Melt Yourself Down – Pray for Me, I Don’t Fit In

Auf diesem Album gelingt es dem Londoner Sextett Melt Yourself Down endlich, seine eklektischen Einflüsse – Tanzmusik, Afrobeat, Krautrock, Punk, abrasiver Jazz – zu einem kohärenten, eigenen Sound zusammenzufügen. Trotz aller Selbstzweifel in den Texten klingt Pray for Me, I Don’t Fit In aufregend selbstbewusst und stürmt mit dem Kopf nach unten auf den Hörer zu.

Mitski – Laurel Hell

Die aggressive Kommerzialität und digitale Künstlichkeit der 1980er Jahre ironisiert Mitski auf ihrem ehrgeizigsten Album, indem sie schwungvollen Pop und raffinierte großstädtische Balladen einsetzt, um sich mit menschlichen Bedürfnissen auseinanderzusetzen, sei es nach Kapital oder Liebe. Ein Triumph des Arrangements, mit einer Art Rokoko-Futuristen-Studio-Sound, dessen Pop-Hooks verhindern, dass es überarbeitet wirkt.

Molly Nilsson – Extreme

Nach zehn Alben ist die in Schweden geborene und in Berlin lebende Synthie-Pop-Sängerin immer noch so lo-fi wie eh und je, aber ihr Songwriting wird immer stärker. Ihr Sinn für Ironie ist stark und witzig – Hair-Metal-Akkorde scheinen dumme Aggressionen aufzuspießen, und der fröhliche Refrain von Earth Girls „Frauen haben keinen Platz in dieser Welt“ ist ein vernichtendes Porträt giftiger Männlichkeit – aber Kids Today und Fearless Like a Child haben eine geradlinige, bewegende Naivität. Pompeii hingegen ist Pop auf Calvin Harris-Niveau, der eigentlich ein Hit hätte werden sollen.

Rosalía – Motomami

Man könnte es als Ehrgeiz auf Kanye-Niveau bezeichnen, wenn Ye ihn nicht auf seinen letzten Platten vergeudet hätte: Das dritte Album der Spanierin zeigt ihre unvergleichliche Bandbreite, die eifrige Verehrung der Musik, die sie hervorgebracht hat, und einen explosiven, kollagistischen Verstand, der ihr ganz eigen ist. Es gibt Dembow (La Combi Versace), Bachata (La Fama), ihr Markenzeichen Flamenco (Bulerías) und einfallsreiche Verbeugungen vor so unterschiedlichen Ikonen wie Daddy Yankee, Lil‘ Kim und Willie Colón. Und sie hat Bars (Saoko), süchtig machende Bops (Chicken Teriyaki) und Schönheit: ihre Stimme auf Hentai ist Disney-Heldin-schön, wenn sie darüber singt, dass der Beischlaf nur von der Göttlichkeit übertroffen wird.

Joel Ross – The Parable of the Poet

Die Stimmung des dritten Albums des Vibraphonisten Joel Ross ist häufig schwül, beruhigt und von Coltrane-artiger Spiritualität durchdrungen – was sich in den Titeln Prayer, Benediction und Wail zeigt -, aber sie weicht auch in unruhigere, dunklere Gefilde ab, wie bei Choices. Das alles fließt wunderbar und lässt den Hörer eintauchen: ein Album, dem man sich gerne hingibt.

Soul Glo – Diaspora Problems

Halsbrecherisch schneller und absolut großartiger Hardcore-Punk aus Philadelphia, bei dem Frontmann Pierce Jordan seiner Wut in Tausenden von Worten Luft macht wie ein politischer Demonstrant im Schnelldurchlauf. Neben stämmigen Riffs, die ein Auto umwerfen könnten, gibt es gelegentliche Ausflüge in Death Grips-ähnlichen Rap und Spoken Word.

St Paul and the Broken Bones – The Alien Coast

St Paul and the Broken Bones haben für ihr viertes Album den Begriff „Cosmic Sound“ erfunden, der Paul Janeways gefühlvollen Kirchengesang mit Giorgio-Moroder-Disco und einer doomig-epischen, elektronisch angehauchten Version ihres Country-Rock-Soul-Hybriden verbindet. Wer sich zuerst den großartigen Abschlusssong Love Letter from a Red Roof Inn anhört, wird süchtig.

Stromae – Multitude

Das lang erwartete dritte Album des belgischen Synthie-Pop-Stars war subtiler als seine Durchbruchshits Papaoutai und Alors on Danse, aber seine Tiefe hat das neunjährige Warten belohnt. Er verfeinerte die Instrumentierung, indem er Streich- und Holzblasinstrumente aus aller Welt einflocht, und nutzte die Satire, um die Wahrheit darüber zu sagen, wie Menschen sich gegenseitig übervorteilen. Auf Santé jubelt ein Chor in einem Atemzug den Arbeitern zu, die uns durch die Pandemie gebracht haben, um dann im nächsten Atemzug vor Anspruch auf sie zu stinken.

Kurt Vile – (watch my moves)

Der amerikanische Singer-Songwriter hat einen der beständigsten Kataloge im Indie-Bereich des 21. Jahrhunderts, aber Album neun ist sein bestes: der Sound eines weisen Mannes, der keine Antworten hat, sondern einfach nur glücklich durchs Leben geht und hier auf einen Klassiker nach dem anderen stößt.

The Weeknd – Dawn FM

Weniger unmittelbar als der überaus erfolgreiche Vorgänger After Hours – nichts ist so offensichtlich kommerziell wie der große Hit Blinding Lights – ist Dawn FM ein gekonnt gemachtes, wunderschön gestaltetes Konzeptalbum, auf dem sich 80er-Jahre-beeinflusster R&B mit Daft Punk-artigem Pop-House und Killer-Balladen die Klinke in die Hand gibt, vollgepackt mit so vielen großartigen Songs, dass es fast unmöglich ist, ein Highlight auszuwählen.

Wet Leg – Wet Leg

Wet Leg’s Chaise Longue klang auf den ersten Blick wie die Art von witziger Indie-Neuheit, die in John Peels Festive 50 ganz oben landete. Doch ihr gleichnamiges Debüt hatte wesentlich mehr zu bieten: Es hat Haken und Ösen und bietet intelligente, witzige, scharf gezeichnete Studien über das Leben von Kleinstadtfrauen in ihren 20ern.

Nilüfer Yanya – Painless

Yanyas Debütalbum Miss Universe aus dem Jahr 2019 war ein großartiges Durcheinander, das in verschiedene musikalische Richtungen ausuferte. Painless ist schärfer, cooler, kohärenter und fokussierter – die Musik orientiert sich am Alt-Rock der 80er und 90er Jahre, die Texte sind pointiert und sparsam, die Melodien ausgefeilt und stark. Es ist auch besser: ein Lehrstück für die Verfeinerung des eigenen Handwerks.

Yard Act – The Overload

Der Punkt, an dem die Tendenz des alternativen Gitarrenrocks zum Sprechgesang die Spitze der Charts erreichte. Man konnte sehen, warum: The Overload boten skitternden, aber muskulösen Post-Punk-Funk und Texte, die sich über witzige (wenn auch naseweise) Satire hinaus zu etwas Komplexerem und Bewegenderem entwickelten, wie in der langen Vignette Tall Poppies und dem surrealen, epischen Schlussstück 100% Endurance.

Musikgenres

Wenn es Ihnen wie uns geht, sind wir von vielen der beliebtesten Musikgenres begeistert. Aber wie Sie haben auch wir unsere Favoriten und auch Genres, die uns, nun ja, zum Gruseln bringen.

Und das ist doch das Schöne an der Musik, oder? Was wir für das beliebteste Musikgenre halten, ist vielleicht nicht Ihr Ding und umgekehrt.

Außerdem wird der Versuch, herauszufinden, wer der Beste ist, zu einem Beliebtheitswettbewerb.

Stattdessen werden wir uns in diesem Artikel auf die beliebtesten Musikrichtungen der Branche konzentrieren und ihre Vorzüge diskutieren.

Wir hoffen, dass dies Ihre musikalischen Interessen erweitert und Ihren Geist öffnet, um andere Musiker, Bands und Künstler zu erforschen.

Die 10 beliebtesten Musikgenres

Einige Genres gibt es schon seit langem und haben Untergruppen, die wir kurz erläutern, um mehr Klarheit zu schaffen.

Music Acapela

Hier ist unsere Liste der 10 beliebtesten Musikgenres:

  • POP

Die schnelle und einfache Definition von „Popmusik“ ist jede Musik, die zu einer bestimmten Zeit in der Geschichte populär ist. Ziemlich vage, nicht wahr? Wir denken schon.

Wenn man tiefer in das Thema eintaucht, wird man feststellen, dass Musik, die als Pop gilt, noch vor vielen Jahrzehnten an der klassischen Musik gemessen wurde.

Wenn man diese Definition verwendet, kann man bis in die 1900er Jahre zurückgehen, als Ragtime-Künstler wie Scott Joplin als Pop galten.

Heutzutage würde man Joplin in die Kategorie Jazz einordnen, aber wir hoffen, Sie verstehen, worauf wir hinauswollen.

Mit dem Aufkommen des Radios brachten die 40er Jahre „Pop“-Bigband-Gruppen wie Glenn Miller und Duke Ellington sowie Schlagersänger wie die Andrew Sisters hervor.

Als in den 50er Jahren das Fernsehen aufkam, wurde die Popmusik zu einem festen Begriff. Nun konnten die Fans ihre Lieblingssänger und -bands beim Abendessen im Fernsehen sehen.

Die 50er Jahre gelten bei Kritikern als die Geburtsstunde des Rock and Roll. Viele bezeichnen 1954 als das „Geburtsjahr des Rock“, als Bill Haley and the Comets „Rock Around the Clock“ veröffentlichten.

In den folgenden Jahrzehnten erlebte die Popmusik eine wahre Explosion mit internationalem Erfolg und schuf Untergruppen wie R&B, Soft Rock und Dance, um nur einige zu nennen.

Mit diesem Verständnis von Popmusik hoffen wir, dass Sie die folgenden populären Musikgenres, die per Definition in die Kategorie Pop fallen, besser verstehen können.

  • Hip-Hop

Hip-Hop ist eines der beliebtesten Musikgenres in der Musikindustrie. Diese Kunstform hatte bescheidene Anfänge als urbane Untergrundbewegung in der Bronx in den 70er Jahren.

Afroamerikanische, lateinamerikanische und karibisch-amerikanische Künstler nutzten die musikalische Plattform, um ihre Frustration über aktuelle wirtschaftliche und politische Probleme auszudrücken.

Die kreative Kraft hinter dem Hip-Hop, der auf Hauspartys oder Nachbarschaftsfesten stattfand, war weder eine Band noch ein Sänger, sondern ein Emcee (MC).

Die Hip-Hop-Bewegung dieser Zeit umfasste die folgenden Elemente:

  1. „Rappen“ oder MCing, Emceeing. Der Rapper verwendet einen reimenden, rhythmischen Gesangsstil, der keine Melodie enthält.
  2. DJing. Die Verwendung eines Plattenspielers und eines Mischpults, um Musik zu machen.
  3. Breakdance (b-boying/b-girling) umfasst interpretativen Tanz und Bewegung.
  4. Grafitti. Obwohl der Graffitikünstler Fargo anderer Meinung ist: „Es gibt keinen Zusammenhang zwischen Hip-Hop und Graffiti, das eine hat nichts mit dem anderen zu tun.“

Auf diesem fruchtbaren Boden entstand die umstrittene Kunstform Gangsta-Rap. Die Texte bzw. Raps befassten sich mit dem Leben der Gangs und enthielten Anspielungen auf Gewalt und Drogen.

Künstler wie Snoop Dogg und Tupac Shakur waren die Vorreiter dieses populären Musikgenres.

Heutzutage gibt es viele verschiedene Hip-Hop-Stilrichtungen, die sich auch auf die Mode- und Zeitschriftenindustrie ausgewirkt haben. Unter den Fans gibt es heute eine Debatte darüber, dass Hip-Hop nicht mehr authentisch ist.

Die Anhänger der alten Schule sind der Meinung, dass der Hip-Hop seinen Wurzeln treu bleiben muss, nämlich dem Protest gegen die Notlage der Afroamerikaner. Sie missbilligen Hip-Hop-Künstler, die nur rappen, um Hits zu landen.

Zeitgenossen entgegnen, dass Hip-Hop-Musik sich darauf konzentrieren sollte, Veränderungen für Afroamerikaner herbeizuführen.

Auf welcher Seite der Debatte man auch steht, wir können uns alle darauf einigen, dass Hip-Hop weiterhin eines der beliebtesten Musikgenres in der Musikindustrie sein wird.

  • Electronic Dance Music (EDM)

Obwohl EDM als neues Musikgenre gelten mag, hat es seine Wurzeln in der Disco-Ära der 70er Jahre.

Pop-Hits wie „I Feel Love“ von Donna Summers zogen die Massen in die Diskotheken. Mit der Erfindung der Drum Machine konnten die Clubs Disco-Hits mit diesen Beatmaschinen kombinieren.

In den 80er Jahren wurde MIDI (Musical Instrument Digital Interface) erfunden und stellte die Musikindustrie auf den Kopf.

Mit MIDI konnten Instrumente und Computer miteinander „sprechen“ und musikalische Phrasen und Rhythmen spielen.

In den 90er Jahren entstanden in der EDM-Szene Subgenres, die heute populär sind. Dance-Hits wie „Chime“ von Orbital waren sogar in den Charts erfolgreich.

Heutzutage setzen die Produzenten stark auf Computer, Synthesizer und Sampler, um hypnotische, energiegeladene Musik zu kreieren, die in den Clubs gespielt wird und die Tänzer anspricht.

Zu den Subgenres gehören House, Techno, Trap und Hardstyle, um nur einige zu nennen.

Heutzutage ist EDM durch Remixe von Pop-Hits wie denen von Taylor Swift und Justin Bieber populär geworden, wodurch sich dieses beliebte Musikgenre weiter entwickelt hat.

  • Rock

Wie bereits erwähnt, begann der Rock & Roll vor über 70 Jahren mit Bill Haley.

Die 60er Jahre waren als „British Invasion“ bekannt, als Gruppen wie die Beatles, Herman’s Hermits und die Rolling Stones die Charts dominierten.

Im Laufe der Jahrzehnte bildeten sich weitere Untergruppen des Genres heraus. Zum Softrock gehörten Gruppen wie America und die Eagles.

Der Acid- oder Psychedelic-Rock wurde vom Haight-Ashbury-Viertel in San Francisco beeinflusst, wo das Experimentieren mit „Acid“ (LSD) weit verbreitet war.

Jefferson Airplane und The Doors waren prominente Vertreter dieses Subgenres.

Progressiver Rock oder „Prog-Rock“ kombinierte Elemente der klassischen Musik mit Rock und schuf so epische Kompositionen. Gruppen wie Yes und Genesis standen an vorderster Front.

In den 80er Jahren war der Arena-Rock mit Bands wie U2, Def Leppard und AC/DC sehr beliebt.

Die 90er Jahre brachten uns Grunge-Künstler wie Nirvana, Soundgarden und Pearl Jam.

Heute ist das Rock-Genre nicht mehr so dominant wie damals. Dennoch bringen Künstler wie die Foo Fighters, Muse und die Red Hot Chili Peppers weiterhin Rockklassiker heraus.

  • R&B

Rhythm and Blues (R&B) entstand in den späten 40er Jahren, als Afroamerikaner Blues mit Jazzmusik kombinierten.

Ursprünglich als „Rassenmusik“ bezeichnet, änderte der Billboard-Reporter Jerry Wexler den Begriff in „Rhythm & Blues“ (zum Glück!), um die Musik besser vermarkten zu können.

In den 50er und 60er Jahren betrachteten Kritiker den R&B im Vergleich zum anspruchsvollen Stil des Jazz als „anspruchslose“ Kunstform.

Im Gegensatz zum Jazz stützt sich der R&B auf kraftvolle Downbeats, meist im 4/4-Takt, die von der Rhythmusgruppe gespielt werden.

Der Gesang enthielt bluesige Texte und Melodien, und die Bläser fügten den Arrangements Riffs und musikalische Pointen hinzu.

Frühe R&B-Pioniere wie Little Richard und Jackie Wilson ebneten den Weg für James Brown, Ray Charles und Smokey Robinson.

Später kamen Künstler wie Aretha Franklin und Stevie Wonder. Zu den zeitgenössischen R&B-Künstlern gehören Usher, Beyoncé, Mariah Carey, um nur einige zu nennen.

  • Latin

Die lateinamerikanische Musik hat viele Genres wie Klassik und Jazz beeinflusst, daher konzentrieren wir uns hier auf ihren Einfluss auf die Popindustrie.

Im Latin-Pop werden Rhythmen aus Tänzen wie dem Samba in populäre Hits eingebaut. Der frühe Pionier Sergio Mendez verhalf dem Latin-Pop in den 60er Jahren zu internationaler Popularität.

Ricky Ricardo aus der Fernsehserie I Love Lucy trug dazu bei, die Kunstform zu popularisieren. Seine Figur war der Bandleader einer Latin-Pop-Band.

Ein weiterer Pionier war Carlos Santana. Er führte den Latin-Pop 1969 in Woodstock mit seinem Hit „Soul Sacrifice“ ein.

Ritchie Valens Hit „La Bamba“ machte das Genre weiter populär, ebenso wie Schnulzensänger wie Julio Iglesias.

In den 80er Jahren wurden Bands wie die Miami Sound Machine mit Gloria Estafan zu internationalen Superstars.

Heute ist Latin Pop nach wie vor eines der beliebtesten Musikgenres der Welt. Er wird weltweit von professionellen DJs aus einigen der besten Latin-Plattenpools gespielt.

Obwohl der Erfolg in den Charts und die Anerkennung der Künstler in den USA und Europa nicht so groß sind, wird die mexikanische Sängerin Thalia als „Königin des Latin Pop“ gefeiert.

  • K-Pop

Eines der unwahrscheinlichsten und doch so unterhaltsamen Genres kommt aus Südkorea. Das „K“ steht für Korea, und diese musikalische Kunstform gewinnt international an Popularität, ebenso wie die K-Dramen.

Wie konnte K-Pop so populär werden? Einige Kritiker behaupten, dass der aktuelle Trend in der westlichen Popmusik etwas damit zu tun hat.

Viele der heutigen Künstler sind energielos und singen leise über introspektive Themen. Im Gegensatz dazu ist K-Pop beschwingt, lustig, bunt und anregend.

Und jetzt kommt der Clou: Die meisten Künstler singen auf Koreanisch und übersetzen nicht für das US-amerikanische oder europäische Publikum. Und trotz dieses scheinbar selbstmörderischen Marketingtricks ist K-Pop eines der beliebtesten Musikgenres der Welt.

K-Pop ist eher eine geografische Bezeichnung als ein musikalischer Fahrplan. Das Genre ist voll von Solokünstlern, Boybands, Girlbands und sogar Rappern.

Ein solcher Erfolg kam nicht über Nacht. In den 90er Jahren begründeten Seo Taiji und Boys Hit „I Know“ die K-Pop-Sensation. In den darauf folgenden Jahren setzten Künstler wie SHINee und Girls‘ Generation den Schwung des K-Pop fort.

Derzeit ist die Boyband BTS ein internationaler Star, der Millionen verdient, tanzt wie Jagger und beweist, warum K-Pop eines der beliebtesten Genres in der Musikindustrie ist.

  • Country

Country music has its roots in bluegrass, Texas swing, folk, and gospel and originated in the Southern states and Texas.

Today, most associate country music with classic artists like Johnny Cash and Dolly Parton, but the categories above still apply today.

Bluegrass includes legendary pioneers like Bill Monroe, Earl Scruggs, and Doc Watson.

Obwohl Bluegrass-Künstler immer noch in der Grand Ole Opry auftreten, hat der zeitgenössische Bluegrass eine Underground-Fangemeinde. Dies ist darauf zurückzuführen, dass die Musik nicht einmal von Country-Radiosendern gespielt wird.

Zeitgenössische Bluegrass-Künstler wie Nickel Creek und Alison Krauss haben sich erfolgreich auf dem Country- und Pop-Markt durchgesetzt.

Western Swing ist eine weitere Untergruppe. Gruppen wie Asleep at the Wheel, Texas Playboys und Lyle Lovett fallen in diese Kategorie. Aber wenn die meisten Leute an Country-Musik denken, denken sie an die heutigen Stars.

Die 90er Jahre brachten Megastars wie Shania Twain, Alan Jackson, Tim McGraw, Faith Hill, Garth Brooks und Brooks & Dunn hervor.

Heute machen Künstler wie Carrie Underwood, Brad Paisley und Chris Stapleton die Country-Musik zu einem der beliebtesten Musikgenres.

  • Klassisch

Klassik ist eine umfangreiche Kategorie mit so vielen Untergattungen, dass wir uns nur auf die populären Kategorien konzentrieren werden.

Wie bereits erwähnt, wurden andere Musikformen an der klassischen Musik gemessen. Diese Kategorisierung hat uns das Wort „Pop“ beschert, das umgangssprachlich für „populäre Musik“ steht.

Die klassische Musik entstand in Westeuropa im Mittelalter. Frühe Kompositionen aus dieser Zeit waren geistliche Werke, die häufig von der Kirche in Auftrag gegeben wurden.

Neben der Kirche finanzierten auch Königshäuser einen Großteil der Musik, die heute in Sinfonien gespielt wird. Diese finanzielle Unterstützung gab den Musikern die Gewissheit, dass sie nicht verhungern würden, ging aber oft auf Kosten einer Einschränkung der kreativen Kompositionen.

Hier sind die Unterkategorien, die am meisten mit klassischer Musik in Verbindung gebracht werden:

  1. Barock (1600-1750)
  2. Klassisch (1750-1820)
  3. Romantik (1800-1910)
  4. Modernistisch (1890-1975)

Wie Sie sehen, ist „Klassik“ eine eigene Untergruppe, was verwirrend sein kann, wenn Sie diese Kunstform nicht studiert haben. Im Allgemeinen fassen die meisten Menschen alle oben genannten Kategorien unter dem Begriff „klassische Musik“ zusammen.

Hier ist zum Beispiel unsere Liste einiger Meister und ihrer zugehörigen Genres:

  1. Bach & Vivaldi-Barock
  2. Mozart & Beethoven-Klassik
  3. Wagner & Tschaikowsky-Romantik
  4. Copland & Holst-Modernismus

Obwohl man behaupten könnte, dass die klassische Musik stagniert, wird sie dank dieser Meister für immer eine der wichtigsten Musikgattungen bleiben.

  • Metal

Die Anfänge des Metal reichen bis in die 60er Jahre zurück, und Gruppen wie Led Zeppelin und Black Sabbath gelten als Pioniere. Der schwere Sound, den diese Gruppen schufen, ebnete den Weg für die Metal-Künstler von heute.

Led Zeppelins „Immigrant Song“ ist ein Paradebeispiel dafür. Hören Sie sich John Bonhams dynamischen und stampfenden Schlagzeug-Groove an und wie er sich mit den bissigen Gitarren- und Basslinien von Page und Jones verbindet.

Wenn man dann noch den hohen Heulton von Robert Plant hinzufügt, kann man verstehen, warum Zeppelin als Heavy Metal bezeichnet wurde und wie ihr Sound die heutigen Künstler beeinflusst hat.

Wie andere Musikkategorien hat auch der Metal Untergruppen.

Zum Schock-Rock gehören Künstler wie Kiss und Alice Cooper. Echte „Metalheads“ würden allerdings behaupten, dass sie nicht in die Metal-Kategorie gehören.

Der Glam Metal kam in den 80er Jahren mit Künstlern wie Bon Jovi und Motley Crue auf. Es gibt auch Thrash- und Death-Metal sowie Black Metal, die eher eine Underground-Anhängerschaft haben.

Ein weiteres musikalisches Merkmal des Metal ist, dass die Gitarren und Bässe tiefer gestimmt werden. Diese subtile Absenkung der Tonhöhe in den Saiten verleiht dem Metal seine tiefen und dunklen Töne.

Gruppen wie Metallica, Iron Maiden und Avenged Sevenfold stehen an der Spitze des heutigen Metal-Erfolgs.

Obwohl er nicht mehr so populär ist wie vor einigen Jahrzehnten, hat der Metal nach wie vor eine solide Fangemeinde, was beweist, dass er immer noch eine beliebte Musikrichtung ist.

Zusammenfassung

Wir hoffen, dass Ihnen unsere Liste der 10 beliebtesten Musikgenres gefallen hat.

Auch wenn wir keine Kategorie zum besten Musikgenre oder zum beliebtesten Musikgenre aller Zeiten küren können, werden Sie uns sicher zustimmen, dass es viele fantastische Genres zu entdecken gibt.